Cuando te imaginas un sintetizador, tu mente probablemente se desvía hacia bandas sonoras confusas de videojuegos de 8 bits o esos temas pop increíblemente pegadizos de los años 80. Podría imaginarse una exuberante orquesta digital saliendo de un teclado o una maraña de cables y perillas en el escritorio de un estudio. Algunos de ustedes se están imaginando un complemento de software que modifican con el teclado de su computadora.
Cualquiera que sea la imagen que surja, el impacto del sintetizador durante los últimos casi 50 años es mucho más profundo de lo que la mayoría de la gente cree. Estas máquinas están entretejidas en la tela de todo lo que escuchamos: pop, hip hop, bandas sonoras de películas y rock and roll. Pero el Dr. Tom Rhea, profesor de Producción y Diseño Electrónicos en Berklee College of Music, señala algo más significativo. Los sintetizadores cambiaron la forma en que se reproduce la música al desacoplar la forma de la función. Los instrumentos acústicos están sujetos a la física. No es fácil reconstruir una guitarra o un clarinete para que suene como algo completamente distinto. “Con los instrumentos electrónicos, concretamente el sintetizador, todo eso se pierde”, señala Rhea.
Esta libertad significa que un solo dispositivo puede producir tonos familiares y otros completamente extraños. Puede imitar una flauta, crear el sonido del oleaje del océano o generar una pistola de rayos marcianos. Incluso puede inventar voces que nunca han existido.
Aquí hay un error común. La palabra “sintetizador” no significa que los sonidos sean falsos o sintéticos. Se refiere a la síntesis. Este es el proceso de combinar propiedades fundamentales del sonido para crear un todo nuevo. Otro mito que hay que dejar caer es que se trata de cajas mágicas. No son dispositivos vudú que escriben canciones para ti. Son instrumentos que requieren intervención humana.
Entonces, ¿cómo manipula el sonido un sintetizador? Para entender esto, debemos observar los componentes básicos del audio.
La física de una nota
Un sonido es esencialmente energía que viaja a través de cambios de presión del aire hasta el oído. Los humanos escuchan frecuencias entre 20 y 20.000 hercios. Percibimos cada sonido por su tono, timbre y volumen.
Incluso si dos instrumentos tocan exactamente la misma nota, sus características mensurables difieren. Considere estos componentes centrales:
- Frecuencia : El número de repeticiones de ondas en un segundo.
- Amplitud : El volumen o cambio en la presión del aire.
- Longitud de onda : La distancia física entre ciclos de una forma de onda.
- Período : el tiempo que tarda una forma de onda en completar un ciclo completo.
Los sonidos también contienen armónicos. Son capas de frecuencias que se combinan para crear una voz compleja. Finalmente, está la vida útil de un sonido. Cómo cambia desde el momento en que se golpea hasta que se desvanece. Esto se conoce como ADSR : Ataque, Decay, Sustain y Release.
“Con los instrumentos electrónicos, concretamente el sintetizador, todo eso se pierde”, dice el Dr. Tom Rhea.
Síntesis sustractiva versus aditiva
La mayoría de las personas encuentran primero la síntesis sustractiva. Es uno de los métodos más comunes para generar tonos. Comienzas con una forma de onda sin procesar. Este sonido inicial contiene todas las características mencionadas anteriormente. Luego, quitas elementos. Silencias ciertas frecuencias o enfatizas otras.
El resultado es un tono completamente diferente. La salida puede parecerse a una trompeta, una caja o un silbido atmosférico. Puede ser prácticamente cualquier cosa. Sin embargo, a menos que utilices un sampler para grabar y procesar sonidos acústicos, una versión sintetizada nunca será una copia exacta de un instrumento del mundo real. Es una aproximación, no un clon.
En el otro lado del espectro se encuentra la síntesis aditiva. Este método funciona a la inversa. En lugar de quitar partes, coloca capas de tonos uno encima del otro. Puedes crear un sonido más complejo sumando componentes.
Bajo el capó de un sintetizador
Saber cómo se manipula el sonido es sólo la mitad de la historia. Para comprender verdaderamente estas máquinas, debemos observar los componentes de hardware y software que hacen posible esta manipulación.
¿Cuáles son los componentes básicos de un sintetizador?
Los sintetizadores tienen ese conocido teclado de piano. Pero mire más de cerca el resto del chasis. Es un lío de perillas, diales e interruptores. Parece que pertenece a un garaje, no a una sala de conciertos. Sin embargo, la máquina tiene los mismos dos componentes centrales que cualquier instrumento acústico: un generador y un resonador.
Piensa en un violín. Las cuerdas y el arco son el generador. El cuerpo de madera es el resonador. En un sintetizador, los roles cambian. El oscilador es el generador. El filtro es el resonador.
Analicemos el clásico sintetizador analógico. Las versiones digitales son bestias diferentes. Llegaremos a ellos más tarde. Los sintetizadores analógicos generan sonido manipulando voltajes eléctricos. Es pura física y ingeniería.
La cadena de señales: voltaje, filtro y amplificador
El oscilador da forma a estos voltajes. Produce un tono constante a una frecuencia específica. Esto define la forma de onda básica. Luego, la señal avanza por la línea.
Tú controlas el oscilador. Las teclas del piano funcionan. Gira una rueda de paso. O modifica otras herramientas de la interfaz. El objetivo es establecer el tono crudo.
A continuación, la señal llega al filtro. Aquí, utilizas perillas para crear el sonido. Eliminas frecuencias. Destacas a los demás. Es como esculpir arcilla. El filtro define el color del tono.
Desde el filtro, la señal viaja al amplificador. Esta parte controla el volumen. Pero no se trata sólo de un simple interruptor de encendido/apagado. El amplificador incluye controles de envolvente. Estos dan forma al volumen a lo largo de la vida útil del billete. Ataque. Decadencia. Sostener. Liberar. La envolvente determina cómo respira el sonido.
Locura modular
En los sintetizadores analógicos, estas funciones están organizadas en módulos. Cada módulo tiene un propósito especializado. Paso. Tono. Volumen.
Los primeros módulos estaban encerrados en carcasas individuales. Cada unidad creó o procesó una señal específica. Los músicos los conectaron con cables de conexión. Este enfoque modular permitió capas y procesamiento complejo. Podrías cambiar el sonido a algo completamente nuevo. Era un rompecabezas de electricidad.
La historia de la síntesis
¿Cuándo se inventó el primer sintetizador? La respuesta depende de a quién le preguntes.
Algunos apuntan al Telharmonium. Inventado a finales de la década de 1890. O el theremín. Creado en 1919. Se trata de instrumentos electrónicos. Pero Rhea, historiadora del campo, no está de acuerdo. Estos primeros dispositivos no otorgaban un control total sobre los elementos sonoros. Carecían de la arquitectura fundamental de síntesis.
El primer sintetizador verdadero fue un híbrido. Combinaba teclas de piano con tecnología electrónica. Inventado en Francia en 1929 por Armand Givelet y Eduard Coupleaux. Utilizaba un lector de cintas de papel. Manipulaba circuitos electrónicos. Se podría crear una orquesta de cuatro voces.
La palabra “sintetizador” entró en el léxico más tarde. El sintetizador de música electrónica RCA Mark I fue lanzado en 1956. Utilizaba diapasones. Leyó información perforada en rollos de cinta de papel. Reproducía música a través de altavoces.
Robert Moog y la era moderna
Robert Moog es ampliamente considerado el padre del sintetizador moderno. Era un ingeniero eléctrico estadounidense. Construía theremins en su tiempo libre. A principios de la década de 1960, se hizo amigo del músico Herbert Deutsch. Esta amistad provocó una colaboración.
Moog se propuso inventar el primer sintetizador disponible comercialmente. El resultado fueron los sistemas modulares de la serie 900. Lanzadas en 1964, estas unidades se elevaban como computadoras centrales. Una telaraña de cables “parchó” los módulos. El sistema podría secuenciar sonidos o reproducirlos en tiempo real. Fue complejo. Fue poderoso.
También fue polarizador. El marketing inicial de Moog no logró convencer al establishment musical. “Como vendedora, iba a tiendas de música donde prácticamente me echaban”, recuerda Rhea. “Me dijeron que [el sintetizador] no sería un instrumento musical”.
Luego vino Switched-On Bach. El álbum ganador del Grammy de Wendy Carlos se lanzó en 1968. Expuso las posibilidades musicales de los sintetizadores a una audiencia más amplia. De repente, los que hacían ruido eran instrumentos.
Grupos como Parliament-Funkadelic, Mahavishnu Orchestra y Emerson, Lake y Palmer adoptaron la tecnología. El momento crucial, sin embargo, fue el Minimoog. Consolidó los grandes elementos modulares en una sola unidad portátil. Fue menos costoso. Puso 13.000 sintetizadores en manos de músicos durante su vida de producción.
Los músicos todavía honran a Moog hoy. El Moogfest anual en Asheville, Carolina del Norte, mantiene vivo su legado. Incluso cuando la tecnología digital se hizo cargo, el sonido analógico siguió siendo icónico.
Otros pioneros
Moog no era el único juego en la ciudad. Don Buchla y Alan R. Pearlman también fueron pioneros del sintetizador moderno.
Los sintetizadores de la Serie 100 de Buchla llegaron casi al mismo tiempo que las primeras unidades de Moog. Usaron placas táctiles sensibles a la presión en lugar de teclas de piano. Esta interfaz atrajo a músicos y académicos de vanguardia. Ofrecía un tipo diferente de control.
Los ARP2500 y 2600 de Pearlman llegaron a principios de los años 1970. Parecían sintetizadores modulares reducidos. Los actos de rock los utilizaron mucho.
A pesar de su innovación, ni Buchla ni Pearlman se acercaron a la popularidad de los instrumentos de Moog. Los diseños de Moog se convirtieron en el estándar. Ellos definieron la época.
Digitalización
La era analógica dominó durante décadas. Pero la tecnología avanzó. Los sintetizadores digitales comenzaron a reemplazar a sus homólogos analógicos. ¿Por qué? Las razones son técnicas. Y económico. Y cambiaron todo sobre cómo hacemos sonido.
No fue un accidente que lo digital se hiciera cargo. Era economía.
Rhea lo dice sin rodeos. Los instrumentos digitales cuestan menos de fabricar. Se venden por menos. El músico promedio que tocaba en el salón de un hotel en los años 80 no gastaba 15.000 dólares en un sintetizador. No pudieron.
Los equipos analógicos son caros. El equipo digital es escalable. Esa es la verdadera historia aquí. No superioridad sonora. La estabilidad del tono es mejor en digital, claro. Pero el mercado optó por la opción más barata.
Las placas de circuito cuentan una historia diferente a la de las perillas. Los sintetizadores analógicos dependen del voltaje. Los sintetizadores digitales dependen del código. Los procesadores y algoritmos interpretan cadenas binarias. Esas cuerdas se convierten en ondas sonoras. Son las matemáticas las que hacen ruido.
Esto no se inventó en el vacío. La investigación comenzó en 1957. Max Mathews en Bell Labs escribió Música I. El primer programa informático para reproducir música. Pasaron décadas desde allí hasta el hardware comercial.
Cómo los sintetizadores digitales cambiaron la producción musical
La primera ola llegó en los años 1980. La Yamaha DX7 llegó en 1983 y se convirtió en uno de los primeros éxitos de ventas. Cambió todo.
Los productores necesitaban sonido. Hip-hop. Estallido. Roca. Electrónico. Los sintetizadores digitales se volvieron indispensables. Los compositores también los utilizan para bandas sonoras de películas. A veces es un boceto auditivo. Posteriormente lleno de instrumentos en vivo. A veces es todo el paisaje sonoro. Representado completamente por código.
Las formas se diversificaron. Los primeros dispositivos complementarios vinculados a computadoras de escritorio. Luego vinieron los programas de software. Confiaron en el hardware de la computadora para hacer el trabajo pesado.
Luego está el sintetizador analógico virtual. Es un concepto híbrido. La interfaz parece analógica. Perillas. Diales. Un teclado físico. ¿Pero por debajo? La tecnología digital lo impulsa todo. Imita la mirada. Utiliza procesamiento digital.
El papel del MIDI en los flujos de trabajo de audio modernos
Los sintetizadores digitales no funcionaron de forma aislada. Necesitaban hablar con otros dispositivos.
Introduzca MIDI. Interfaz digital de instrumentos musicales. Introducido en 1983. El mismo año que el DX7. Es un protocolo. Vincula sintetizadores a secuenciadores. Muestrarios. Cajas de ritmos. Todo tipo de aparatos electrónicos.
También se conecta a estaciones de trabajo de audio digital. Herramientas profesionales de Avid. La lógica de Apple. MIDI es el pegamento. Convierte una colección de gadgets en un único flujo de trabajo.
La democratización de la creación musical
Las barreras han desaparecido.
Los sintetizadores ponen la capacidad de hacer música en manos de cualquiera. Si tienes ganas, puedes crear. La tecnología es accesible. Asequible. En todos lados.
Esto tiene un doble filo.
Hay maravillas. Nuevos sonidos. Nuevos estilos. Accesibilidad para verdaderos principiantes.
Pero también hay horrores.
“La democratización de la música, con los horrores y maravillas concomitantes”. — Rea
Tu vecino con una voz como de cristal roto puede grabar una canción. Tan fácilmente como un vocalista formado en Juilliard. La brecha de habilidades se está reduciendo. La barrera de entrada es casi nula.
Éste es el resultado. Más música. Menos filtro.
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