Quando você imagina um sintetizador, sua mente provavelmente se volta para trilhas sonoras confusas de videogame de 8 bits ou aqueles refrões pop incrivelmente cativantes da década de 1980. Você pode imaginar uma exuberante orquestra digital saindo de um teclado ou um emaranhado de cabos e botões em uma mesa de estúdio. Alguns de vocês estão imaginando um plugin de software que você ajusta com o teclado do computador.
Qualquer que seja a imagem que surja, o impacto do sintetizador nos últimos quase 50 anos é muito mais profundo do que a maioria das pessoas imagina. Essas máquinas estão entrelaçadas com tudo o que ouvimos: pop, hip hop, trilhas sonoras de filmes e rock and roll. Mas o Dr. Tom Rhea, professor de Produção Eletrônica e Design na Berklee College of Music, aponta algo mais significativo. Os sintetizadores mudaram a forma como a música é tocada, dissociando a forma da função. Os instrumentos acústicos são limitados pela física. Você não pode reconstruir facilmente uma guitarra ou um clarinete para soar como algo totalmente diferente. “Com instrumentos eletrônicos – principalmente o sintetizador – tudo isso é jogado fora”, observa Rhea.
Essa liberdade significa que um único dispositivo pode produzir tons familiares e tons totalmente estranhos. Ele pode imitar uma flauta, criar o som de uma onda oceânica ou gerar uma arma de raios marciana. Pode até inventar vozes que nunca existiram.
Há um equívoco comum aqui. A palavra “sintetizador” não significa que os sons sejam falsos ou sintéticos. Refere-se à síntese. Este é o processo de combinar propriedades fundamentais do som para criar um novo todo. Outro mito a abandonar é que se trata de caixas mágicas. Eles não são dispositivos vodu que escrevem músicas para você. São instrumentos que requerem intervenção humana.
Então, como um sintetizador manipula o som? Para entender isso, precisamos examinar os blocos de construção do áudio.
A Física de uma Nota
Um som é essencialmente energia que viaja através das mudanças na pressão do ar até o seu ouvido. Os humanos ouvem frequências entre 20 e 20.000 hertz. Percebemos cada som por sua altura, timbre e volume.
Mesmo que dois instrumentos toquem exactamente a mesma nota, as suas características mensuráveis são diferentes. Considere estes componentes principais:
- Frequência : O número de repetições da onda em um segundo.
- Amplitude : O volume ou mudança na pressão do ar.
- Comprimento de onda : A distância física entre os ciclos de uma forma de onda.
- Período : O tempo que uma forma de onda leva para completar um ciclo completo.
Os sons também contêm harmônicos. Estas são camadas de frequências que se misturam para criar uma voz complexa. Finalmente, existe a vida útil de um som. Como muda desde o momento em que é atingido até desaparecer. Isso é conhecido como ADSR : Ataque, Decadência, Sustentação e Liberação.
“Com instrumentos eletrônicos – nomeadamente o sintetizador – tudo isso é jogado fora”, diz o Dr. Tom Rhea.
Síntese Subtrativa vs. Aditiva
A maioria das pessoas encontra a síntese subtrativa primeiro. É um dos métodos mais comuns para gerar tons. Você começa com uma forma de onda bruta. Este som inicial contém todas as características mencionadas acima. Então, você remove os elementos. Você silencia certas frequências ou enfatiza outras.
O resultado é um tom completamente diferente. A saída pode se assemelhar a uma trombeta, uma caixa ou um ruído atmosférico. Pode ser praticamente qualquer coisa. No entanto, a menos que você use um sampler para gravar e processar sons acústicos, uma versão sintetizada nunca será uma cópia exata de um instrumento do mundo real. É uma aproximação, não um clone.
Do outro lado do espectro está a síntese aditiva. Este método funciona ao contrário. Em vez de remover partes, você coloca tons uns sobre os outros. Você constrói um som mais complexo adicionando componentes.
Sob o capô de um sintetizador
Saber como o som é manipulado é apenas metade da história. Para compreender verdadeiramente estas máquinas, precisamos de olhar para os componentes de hardware e software que tornam possível esta manipulação.
Quais são os componentes básicos de um sintetizador?
Os sintetizadores possuem aquele teclado de piano familiar. Mas olhe mais de perto o resto do chassi. É uma confusão de botões, mostradores e interruptores. Parece que pertence a uma garagem e não a uma sala de concertos. No entanto, a máquina contém os mesmos dois componentes principais de qualquer instrumento acústico: um gerador e um ressonador.
Pense em um violino. As cordas e o arco são o gerador. O corpo de madeira é o ressonador. Num sintetizador, os papéis mudam. O oscilador é o gerador. O filtro é o ressonador.
Vamos analisar o sintetizador analógico clássico. As versões digitais são feras diferentes. Falaremos deles mais tarde. Os sintetizadores analógicos geram som manipulando tensões elétricas. É pura física e engenharia.
A cadeia de sinal: tensão, filtro e amplificador
O oscilador molda essas tensões. Produz um tom constante em uma frequência específica. Isso define a forma de onda básica. O sinal então desce na linha.
Você controla o oscilador. As teclas do piano funcionam. Uma roda de pitch gira. Ou você ajusta outras ferramentas de interface. O objetivo é definir o tom cru.
Em seguida, o sinal atinge o filtro. Aqui, você usa botões para esculpir o som. Você elimina frequências. Você enfatiza os outros. É como esculpir argila. O filtro define a cor do tom.
Do filtro, o sinal viaja para o amplificador. Esta parte controla o volume. Mas não é apenas um simples botão liga/desliga. O amplificador inclui controles de envelope. Eles moldam o volume ao longo da vida útil da nota. Ataque. Decadência. Sustentar. Liberar. O envelope determina como o som respira.
Loucura Modular
Em sintetizadores analógicos, essas funções são organizadas em módulos. Cada módulo tem uma finalidade especializada. Tom. Tom. Volume.
Os primeiros módulos foram encerrados em caixas individuais. Cada unidade criou ou processou um sinal específico. Os músicos os conectaram com cabos patch. Essa abordagem modular permitiu camadas e processamento complexo. Você poderia mudar o som para algo totalmente novo. Foi um quebra-cabeça de eletricidade.
A História da Síntese
Quando foi inventado o primeiro sintetizador? A resposta depende de para quem você pergunta.
Alguns apontam para o Telharmonium. Inventado no final da década de 1890. Ou o Theremin. Criado em 1919. São instrumentos eletrônicos. Mas Rhea, uma historiadora da área, discorda. Esses primeiros dispositivos não concediam controle completo sobre os elementos sonoros. Faltava-lhes a arquitetura fundamental da síntese.
O primeiro verdadeiro sintetizador foi um híbrido. Combinava teclas de piano com tecnologia eletrônica. Inventado na França em 1929 por Armand Givelet e Eduard Coupleaux. Ele usava um leitor de fita de papel. Ele manipulou circuitos eletrônicos. Poderia criar uma orquestra de quatro vozes.
A própria palavra “sintetizador” entrou no léxico mais tarde. O Sintetizador de Música Eletrônica RCA Mark I foi lançado em 1956. Ele usava diapasões. Ele lia informações perfuradas em rolos de fita de papel. Tocava música através de alto-falantes.
Robert Moog e a Era Moderna
Robert Moog é amplamente considerado o pai do sintetizador moderno. Ele era um engenheiro elétrico americano. Ele construía theremins em seu tempo livre. No início dos anos 1960, ele fez amizade com o músico Herbert Deutsch. Essa amizade gerou uma colaboração.
Moog decidiu inventar o primeiro sintetizador disponível comercialmente. O resultado foram os Sistemas Modulares Série 900. Lançadas em 1964, essas unidades erguiam-se como computadores mainframe. Uma teia de cabos “consertou” os módulos. O sistema poderia sequenciar sons ou reproduzir em tempo real. Foi complexo. Foi poderoso.
Também foi polarizador. O marketing inicial de Moog não conseguiu convencer o establishment musical. “Como vendedor, entrei em lojas de música onde fui praticamente expulso”, lembra Rhea. “Disseram-me que [o sintetizador] não seria um instrumento musical.”
Então veio Switched-On Bach. O álbum vencedor do Grammy de Wendy Carlos foi lançado em 1968. Ele expôs as possibilidades musicais dos sintetizadores a um público mais amplo. De repente, os que faziam barulho eram instrumentos.
Grupos como Parliament-Funkadelic, Mahavishnu Orchestra e Emerson, Lake e Palmer adotaram a tecnologia. O momento crucial, porém, foi o Minimoog. Consolidou os grandes elementos modulares em uma unidade única e portátil. Foi menos caro. Colocou 13.000 sintetizadores nas mãos de músicos durante sua vida de produção.
Os músicos ainda homenageiam Moog hoje. O Moogfest anual em Asheville, N.C., mantém vivo seu legado. Mesmo com a adoção da tecnologia digital, o som analógico permaneceu icônico.
Outros pioneiros
Moog não era o único jogo na cidade. Don Buchla e Alan R. Pearlman também foram pioneiros do sintetizador moderno.
Os sintetizadores da série 100 da Buchla chegaram na mesma época que as primeiras unidades da Moog. Eles usaram placas sensíveis ao toque em vez de teclas de piano. Essa interface atraiu músicos e acadêmicos de vanguarda. Oferecia um tipo diferente de controle.
Os ARP2500 e 2600 da Pearlman chegaram no início dos anos 1970. Eles pareciam sintetizadores modulares em escala reduzida. Bandas de rock os usaram fortemente.
Apesar da inovação, nem Buchla nem Pearlman se aproximaram da popularidade dos instrumentos de Moog. Os designs de Moog se tornaram o padrão. Eles definiram a época.
Tornando-se digital
A era analógica dominou por décadas. Mas a tecnologia avançou. Os sintetizadores digitais começaram a substituir seus equivalentes analógicos. Por que? As razões são técnicas. E econômico. E eles mudaram tudo na forma como produzimos som.
Não foi por acaso que o digital assumiu o controle. Foi economia.
Rhea fala sem rodeios. Os instrumentos digitais custam menos para serem fabricados. Eles vendem por menos. O músico médio que tocava no salão de baile de um hotel nos anos 80 não gastava US$ 15 mil em um sintetizador. Eles não podiam.
O equipamento analógico é caro. O equipamento digital é escalável. Essa é a verdadeira história aqui. Não superioridade sonora. A estabilidade do tom é melhor no digital, com certeza. Mas o mercado escolheu a opção mais barata.
As placas de circuito contam uma história diferente dos botões. Os sintetizadores analógicos dependem de voltagem. Os sintetizadores digitais dependem de código. Processadores e algoritmos interpretam strings binárias. Essas cordas se tornam ondas sonoras. É matemática fazendo barulho.
Isso não foi inventado no vácuo. A pesquisa começou em 1957. Max Mathews, do Bell Labs, escreveu Music I. O primeiro programa de computador a tocar música. Demorou décadas para chegar ao hardware comercial.
Como os sintetizadores digitais mudaram a produção musical
A primeira onda ocorreu na década de 1980. A Yamaha DX7 chegou em 1983. Tornou-se um dos primeiros best-sellers. Isso mudou tudo.
Os produtores precisavam de som. Hip-hop. Pop. Pedra. Eletrônico. Os sintetizadores digitais tornaram-se indispensáveis. Os compositores também os usam para trilhas sonoras de filmes. Às vezes é um esboço auditivo. Mais tarde preenchido com instrumentos ao vivo. Às vezes é toda a paisagem sonora. Renderizado completamente por código.
Os formulários se ramificaram. Dispositivos complementares iniciais vinculados a computadores desktop. Depois vieram os programas de software. Eles confiaram no hardware do computador para fazer o trabalho pesado.
Depois, há o sintetizador analógico virtual. É um conceito híbrido. A interface parece analógica. Botões. Mostradores. Um teclado físico. Mas por baixo? A tecnologia digital impulsiona tudo. Ele imita o visual. Ele usa processamento digital.
O papel do MIDI nos fluxos de trabalho de áudio modernos
Os sintetizadores digitais não funcionavam isoladamente. Eles precisavam conversar com outros dispositivos.
Entre no MIDI. Interface Digital de Instrumento Musical. Introduzido em 1983. Mesmo ano do DX7. É um protocolo. Ele liga sintetizadores a sequenciadores. Amostradores. Máquinas de tambor. Todo tipo de equipamento eletrônico.
Ele também se conecta a estações de trabalho de áudio digital. Ferramentas profissionais da Avid. Lógica da Apple. MIDI é a cola. Ele transforma uma coleção de gadgets em um único fluxo de trabalho.
A democratização da criação musical
As barreiras desapareceram.
Os sintetizadores colocam a capacidade de fazer música nas mãos de qualquer pessoa. Se você tiver inclinação, você pode criar. A tecnologia é acessível. Acessível. Em todos os lugares.
Isso tem uma vantagem dupla.
Existem maravilhas. Novos sons. Novos estilos. Acessibilidade para verdadeiros iniciantes.
Mas também há horrores.
“A democratização da música, com os horrores e maravilhas concomitantes.” -Réia
Seu vizinho com voz de vidro quebrado pode gravar uma música. Tão facilmente quanto um vocalista treinado pela Juilliard. A lacuna de competências está diminuindo. A barreira à entrada é quase zero.
Este é o resultado. Mais música. Menos filtro.
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