Quando immagini un sintetizzatore, la tua mente probabilmente va alla deriva con le colonne sonore confuse dei videogiochi a 8 bit o con quei ritornelli pop incredibilmente orecchiabili degli anni ’80. Potresti immaginare una lussureggiante orchestra digitale che fuoriesce da una tastiera o un groviglio di cavi e manopole su una scrivania da studio. Alcuni di voi stanno immaginando un plugin software da modificare con la tastiera del computer.
Qualunque sia l’immagine che emerge, l’impatto del sintetizzatore negli ultimi quasi 50 anni è molto più profondo di quanto la maggior parte delle persone creda. Queste macchine sono intrecciate nel tessuto di tutto ciò che ascoltiamo: pop, hip hop, colonne sonore di film e rock and roll. Ma il dottor Tom Rhea, professore di produzione e design elettronico al Berklee College of Music, sottolinea qualcosa di più significativo. I sintetizzatori hanno cambiato il modo in cui la musica viene riprodotta disaccoppiando la forma dalla funzione. Gli strumenti acustici sono vincolati dalla fisica. Non puoi facilmente ricostruire una chitarra o un clarinetto affinché suonino come qualcos’altro. “Con gli strumenti elettronici – in particolare il sintetizzatore – tutto ciò è fuori dalla finestra”, osserva Rhea.
Questa libertà significa che un singolo dispositivo può produrre toni familiari e completamente estranei. Può imitare un flauto, creare il suono di un moto ondoso dell’oceano o generare la pistola a raggi di un marziano. Può persino inventare voci che non sono mai esistite.
C’è un malinteso comune qui. La parola “sintetizzatore” non significa che i suoni siano falsi o sintetici. Si riferisce alla sintesi. Questo è il processo di combinazione delle proprietà fondamentali del suono per creare un nuovo insieme. Un altro mito da sfatare è che queste siano scatole magiche. Non sono dispositivi voodoo che scrivono canzoni per te. Sono strumenti che richiedono input umani.
Quindi, come fa un sintetizzatore a manipolare il suono? Per capirlo, dobbiamo esaminare gli elementi costitutivi dell’audio.
La fisica di una nota
Un suono è essenzialmente energia che viaggia attraverso i cambiamenti della pressione dell’aria fino all’orecchio. Gli esseri umani sentono frequenze comprese tra 20 e 20.000 hertz. Percepiamo ogni suono dalla sua altezza, timbro e intensità.
Anche se due strumenti suonano esattamente la stessa nota, le loro caratteristiche misurabili differiscono. Considera questi componenti principali:
- Frequenza : il numero di ripetizioni dell’onda in un secondo.
- Ampiezza : il volume o la variazione della pressione atmosferica.
- Lunghezza d’onda : la distanza fisica tra i cicli di una forma d’onda.
- Periodo : il tempo impiegato da una forma d’onda per completare un ciclo completo.
I suoni contengono anche armoniche. Questi sono strati di frequenze che si fondono per creare una voce complessa. Infine, c’è la durata di vita di un suono. Come cambia dal momento in cui viene colpito fino a quando svanisce. Questo è noto come ADSR : Attacco, Decay, Sustain e Release.
“Con gli strumenti elettronici, in particolare il sintetizzatore, tutto ciò è fuori dalla finestra”, afferma il Dr. Tom Rhea.
Sintesi sottrattiva e additiva
La maggior parte delle persone incontra prima la sintesi sottrattiva. È uno dei metodi più comuni per generare toni. Inizi con una forma d’onda grezza. Questo suono iniziale contiene tutte le caratteristiche sopra menzionate. Quindi, rimuovi gli elementi. Metti a tacere certe frequenze o ne enfatizzi altre.
Il risultato è un tono completamente diverso. L’output potrebbe assomigliare a una tromba, a un rullante o a un sibilo atmosferico. Può essere praticamente qualsiasi cosa. Tuttavia, a meno che non utilizzi un campionatore per registrare ed elaborare i suoni acustici, una versione sintetizzata non sarà mai una copia esatta di uno strumento reale. È un’approssimazione, non un clone.
Dall’altro lato dello spettro si trova la sintesi additiva. Questo metodo funziona al contrario. Invece di rimuovere parti, sovrapponi i toni uno sopra l’altro. Costruisci un suono più complesso aggiungendo componenti insieme.
Sotto il cofano di un sintetizzatore
Sapere come viene manipolato il suono è solo metà della storia. Per comprendere veramente queste macchine, dobbiamo esaminare i componenti hardware e software che rendono possibile questa manipolazione.
Quali sono i componenti base di un sintetizzatore?
I sintetizzatori hanno la familiare tastiera del pianoforte. Ma guarda più da vicino il resto del telaio. È un pasticcio di manopole, quadranti e interruttori. Sembra che appartenga a un garage, non a una sala da concerto. Tuttavia, la macchina contiene gli stessi due componenti principali di qualsiasi strumento acustico: un generatore e un risonatore.
Pensa a un violino. Le corde e l’archetto sono il generatore. Il corpo in legno è il risuonatore. Su un sintetizzatore i ruoli cambiano. L’oscillatore è il generatore. Il filtro è il risonatore.
Analizziamo il classico sintetizzatore analogico. Le versioni digitali sono bestie diverse. Ci arriveremo più tardi. I sintetizzatori analogici generano il suono manipolando le tensioni elettriche. È la fisica pura che incontra l’ingegneria.
La catena del segnale: tensione, filtro e amplificatore
L’oscillatore modella queste tensioni. Produce un tono costante a una frequenza specifica. Questo definisce la forma d’onda di base. Il segnale si sposta quindi lungo la linea.
Tu controlli l’oscillatore. I tasti del pianoforte funzionano. Una ruota del passo gira. Oppure modifichi altri strumenti dell’interfaccia. L’obiettivo è dare un tono grezzo.
Successivamente, il segnale colpisce il filtro. Qui usi le manopole per ritagliare il suono. Elimini le frequenze. Enfatizzi gli altri. È come scolpire l’argilla. Il filtro definisce il colore del tono.
Dal filtro, il segnale viaggia verso l’amplificatore. Questa parte controlla il volume. Ma non è solo un semplice interruttore di accensione/spegnimento. L’amplificatore include controlli di inviluppo. Questi modellano il volume durante la vita della banconota. Attacco. Decadimento. Sostenere. Pubblicazione. L’inviluppo determina come respira il suono.
Follia modulare
Nei sintetizzatori analogici, queste funzioni sono organizzate in moduli. Ogni modulo ha uno scopo specializzato. Pece. Tono. Sonorità.
I primi moduli erano racchiusi in alloggiamenti individuali. Ciascuna unità creava o elaborava un segnale specifico. I musicisti li collegavano con cavi patch. Questo approccio modulare ha consentito la stratificazione e l’elaborazione complessa. Potresti cambiare il suono in qualcosa di completamente nuovo. Era un puzzle di elettricità.
La storia della sintesi
Quando è stato inventato il primo sintetizzatore? La risposta dipende da chi chiedi.
Alcuni indicano il Telharmonium. Inventato alla fine del 1890. Oppure il theremin. Creato nel 1919. Questi sono strumenti elettronici. Ma Rea, una storica del settore, non è d’accordo. Questi primi dispositivi non garantivano il controllo completo sugli elementi sonori. Mancava loro l’architettura fondamentale della sintesi.
Il primo vero sintetizzatore era un ibrido. Combinava i tasti del pianoforte con la tecnologia elettronica. Inventato in Francia nel 1929 da Armand Givelet e Eduard Coupleaux. Utilizzava un lettore di nastri di carta. Manipolava circuiti elettronici. Potrebbe creare un’orchestra di quattro voci.
La parola “sintetizzatore” stessa è entrata nel lessico più tardi. Il sintetizzatore di musica elettronica RCA Mark I è stato rilasciato nel 1956. Utilizzava diapason. Leggeva le informazioni perforate su rotoli di nastro di carta. Riproduceva la musica attraverso gli altoparlanti.
Robert Moog e l’era moderna
Robert Moog è ampiamente considerato il padre del sintetizzatore moderno. Era un ingegnere elettrico americano. Costruiva theremin nel tempo libero. All’inizio degli anni ’60 fece amicizia con il musicista Herbert Deutsch. Questa amicizia ha dato vita ad una collaborazione.
Moog decise di inventare il primo sintetizzatore disponibile in commercio. Il risultato sono stati i sistemi modulari della serie 900. Rilasciate nel 1964, queste unità torreggiavano come computer mainframe. Una ragnatela di cavi “attaccava” insieme i moduli. Il sistema potrebbe sequenziare i suoni o riprodurli in tempo reale. Era complesso. Era potente.
Era anche polarizzante. Il marketing iniziale di Moog non riuscì a convincere l’establishment musicale. “Come venditore, entravo nei negozi di musica dove venivo praticamente buttato fuori”, ricorda Rhea. “Mi è stato detto che [il sintetizzatore] non sarebbe stato uno strumento musicale.”
Poi è arrivato Switched-On Bach. L’album vincitore del Grammy di Wendy Carlos uscì nel 1968. Espose le possibilità musicali dei sintetizzatori a un pubblico più ampio. All’improvviso, i produttori di rumore divennero strumenti.
Gruppi come Parliament-Funkadelic, Mahavishnu Orchestra ed Emerson, Lake e Palmer hanno adottato la tecnologia. Il momento cruciale, tuttavia, è stato il Minimoog. Ha consolidato i grandi elementi modulari in un’unica unità portatile. Era meno costoso. Ha messo 13.000 sintetizzatori nelle mani di musicisti durante la sua vita produttiva.
I musicisti onorano ancora Moog oggi. L’annuale Moogfest ad Asheville, N.C., mantiene viva la sua eredità. Anche quando la tecnologia digitale ha preso il sopravvento, il suono analogico è rimasto iconico.
Altri pionieri
Moog non era l’unico gioco in città. Don Buchla e Alan R. Pearlman furono anche pionieri del sintetizzatore moderno.
I sintetizzatori della serie 100 di Buchla arrivarono più o meno nello stesso periodo delle prime unità di Moog. Hanno usato piastre tattili sensibili alla pressione invece dei tasti del pianoforte. Questa interfaccia piaceva ai musicisti e agli accademici d’avanguardia. Offriva un diverso tipo di controllo.
Gli ARP2500 e 2600 di Pearlman arrivarono all’inizio degli anni ’70. Questi somigliavano a sintetizzatori modulari ridotti. Gli spettacoli rock li usavano pesantemente.
Nonostante la loro innovazione, né Buchla né Pearlman si avvicinarono alla popolarità degli strumenti di Moog. I design di Moog sono diventati lo standard. Hanno definito l’epoca.
Verso il digitale
L’era analogica ha dominato per decenni. Ma la tecnologia è andata avanti. I sintetizzatori digitali iniziarono a sostituire le loro controparti analogiche. Perché? Le ragioni sono tecniche. Ed economico. E hanno cambiato tutto nel modo in cui produciamo il suono.
Non è stato un caso che il digitale abbia preso il sopravvento. Era economia.
Rhea lo dice senza mezzi termini. Gli strumenti digitali costano meno da produrre. Vendono a meno. Il musicista medio che suonava nella sala da ballo di un hotel negli anni ’80 non perdeva 15.000 dollari per un sintetizzatore. Non potevano.
Gli apparecchi analogici sono costosi. L’attrezzatura digitale è scalabile. Questa è la vera storia qui. Non superiorità sonora. La stabilità dell’intonazione è migliore in digitale, certo. Ma il mercato ha scelto l’opzione più economica.
I circuiti stampati raccontano una storia diversa rispetto alle manopole. I sintetizzatori analogici si basano sulla tensione. I sintetizzatori digitali si basano sul codice. Processori e algoritmi interpretano stringhe binarie. Quelle corde diventano onde sonore. È la matematica che fa rumore.
Questo non è stato inventato nel vuoto. La ricerca iniziò nel 1957. Max Mathews dei Bell Labs scrisse Music I. Il primo programma per computer per riprodurre musica. Ci sono voluti decenni per passare da lì all’hardware commerciale.
Come i sintetizzatori digitali hanno cambiato la produzione musicale
La prima ondata si verificò negli anni 80. La Yamaha DX7 arrivò nel 1983. Diventò uno dei primi bestseller. Ha cambiato tutto.
I produttori avevano bisogno del suono. Hip-hop. Pop. Roccia. Elettronico. I sintetizzatori digitali sono diventati indispensabili. I compositori li usano anche per le colonne sonore dei film. A volte è uno schizzo uditivo. Successivamente riempito con strumenti dal vivo. A volte è l’intero paesaggio sonoro. Reso completamente tramite codice.
Le forme si ramificavano. I primi dispositivi aggiuntivi collegati ai computer desktop. Poi sono arrivati i programmi software. Facevano affidamento sull’hardware del computer per svolgere il lavoro pesante.
Poi c’è il sintetizzatore analogico virtuale. È un concetto ibrido. L’interfaccia sembra analogica. Manopole. Quadranti. Una tastiera fisica. Ma sotto? La tecnologia digitale guida tutto. Imita l’aspetto. Utilizza l’elaborazione digitale.
Il ruolo del MIDI nei moderni flussi di lavoro audio
I sintetizzatori digitali non funzionavano in modo isolato. Avevano bisogno di parlare con altri dispositivi.
Inserisci MIDI. Interfaccia digitale per strumenti musicali. Introdotto nel 1983. Lo stesso anno del DX7. È un protocollo. Collega i sintetizzatori ai sequenziatori. Campionatori. Drum machine. Tutti i tipi di apparecchiature elettroniche.
Si collega anche a workstation audio digitali. Pro Tools di Avid. La logica di Apple. Il MIDI è il collante. Trasforma una raccolta di gadget in un unico flusso di lavoro.
La democratizzazione della creazione musicale
Le barriere sono scomparse.
I sintetizzatori mettono la capacità di fare musica nelle mani di chiunque. Se hai l’inclinazione, puoi creare. La tecnologia è accessibile. Conveniente. Ovunque.
Questo ha un doppio vantaggio.
Ci sono meraviglie. Nuovi suoni. Nuovi stili. Accessibilità per veri principianti.
Ma ci sono anche degli orrori.
“La democratizzazione della musica, con i relativi orrori e prodigi.” — Rea
Il tuo vicino con una voce come vetro rotto può registrare una canzone. Con la stessa facilità di un cantante addestrato alla Juilliard. Il divario di competenze si sta riducendo. La barriera all’ingresso è quasi pari a zero.
Questo è il risultato. Più musica. Meno filtri.
Per ulteriori informazioni sui gadget audio, controlla i collegamenti nella pagina successiva.
